芬兰古典音乐

       芬兰音乐的优势在于它的原创性。与邻国瑞典和挪威不同，芬兰没有专门的音乐娱乐机构和歌剧制作部门。事实上，芬兰音乐源自于一种独特的民族传统。我们可以毫无夸张地说，民族史诗《卡莱瓦拉》（Kalevala，1835年）奠定了音乐等芬兰文化的基础。

芬兰音乐的最近一次繁荣出现在上世纪70年代初，年长的创作者编写歌剧，年轻的创作者形成现代主义风格，共同构成芬兰音乐的主流，并很快赢得国际关注。早在60年代，芬兰就形成了国家补贴方式，为那些创作者和表演艺术者提供一定的生活补贴。此后的20年间，音乐学院、公共音乐图书馆、交响乐团和音乐节纷纷涌现。西贝柳斯音乐学院的指挥系培养出了一批世界一流的指挥家，为芬兰音乐的繁荣做出了贡献。

芬兰音乐教育的一个重要特点是，即便是普通的综合学校也具备高质量的音乐教学能力。还有专门针对9至15岁学生的音乐课程，让他们对音乐创作产生兴趣，培养一批思想开放、能欣赏音乐会的公众。

早期

12世纪，来自东西方的基督教宗教音乐形成了芬兰的艺术音乐。修道院内教授拉丁圣歌，拉丁圣歌也被用于教堂的礼拜仪式。至于复调音乐何时从欧洲大陆来到芬兰，至今还不清楚。有关复调音乐的最早纪录出现于14世纪的图尔库地区。至于14、15世纪图尔库大教堂是否使用管风琴也尚不明确。当时芬兰由瑞典王国统治，王室公爵曾举办过几次演出。从15世纪开始就有了关于巡回音乐人的文字记录，至于他们使用何种乐器，仍无从考证。

16世纪，瑞典王室家族到图尔库巡游，随行的队伍中有10名音乐随从。瑞典王室音乐被带到了芬兰。

第一本芬兰语弥撒书籍于16世纪中期出版，音乐是赞美诗集的组成部分。17世纪规范了赞美诗及其曲调。直到18世纪早期，宗教改革的200年后，路德教堂音乐才来到芬兰。

拉丁文教堂和学校歌曲集《Piae Cantiones》于1582年出版。其中的74首歌曲于1350年至1450年在芬兰创作完成。

第一批创作者

中产阶级的音乐休闲活动出现于18世纪后期，促成了公共音乐会的建立。Academic Capell交响乐协会和图尔库音乐协会分别于1747年和1790年在图尔库成立。芬兰最早的著名作曲家是Erik Tulindberg（1761—1814），主要作品是6部弦乐四重奏。

芬兰音乐深受瑞典音乐的影响。单簧管演奏家克罗塞尔（Bernhard Henrik Crusell，1775—1838）曾受聘于斯德哥尔摩卡佩尔王室（Court Capell）。他的3部法国风格单簧管协奏曲至今仍是管弦乐的重要保留曲目。

1809年，芬兰被俄罗斯占领，成为一个自治大公国。维堡成为一个重要的文化中心，而新首都赫尔辛基也逐渐形成自己的音乐风格。当时在赫尔辛基和维堡，有很多来自德国的歌剧巡演公司。芬兰公众对音乐的热情最终吸引了德国指挥家、作曲家帕修斯（Fredrik Pacius，1809—1891）前来芬兰定居，并于1852年编写了第一部芬兰歌剧。他对芬兰音乐的发展做出了重要贡献，因此被称为“芬兰音乐之父”。芬兰国歌《祖国》也出自帕修斯之手。

学院的诞生

直到19世纪后期，音乐才进入大多数芬兰公众的视线。1874年成立的文化和教育协会为芬兰人提供了追求艺术和学习的机会。1881年，按照爱沙尼亚模式，协会举办了第一次大型活动——于韦斯屈莱歌曲节。该歌曲节获得成功之后，芬兰各地成立了很多合唱团体。而歌曲节这一传统延续至今，芬兰也以合唱之国而闻名。

芬兰国内的专业歌剧表演始于1873年，在这之前，主要由一些巡演公司进行零散的业余表演。1882年是芬兰音乐史上的一个重要年份。首先，赫尔辛基大学合唱团于这一年成立。这是一个芬兰语合唱团，改变了之前瑞典语在芬兰文化中的主导地位。第二，指挥家罗贝尔托•卡雅努斯（Robert Kajanus，1856—1933）成立了专业的管弦乐团——赫尔辛基管弦乐协会，也就是今天的赫尔辛基爱乐乐团。

第三，马丁•韦格利乌斯（Martin Wegelius，1846—1906）成立了赫尔辛基音乐学院，也就是今天的西贝柳斯音乐学院。在1891年出版的有关音乐历史的书籍中，韦格利乌斯曾这样写道：“芬兰音乐的历史可以追溯到文字记载以前。”当时，很多音乐人才都曾前往德国学习，德国音乐对他们的影响大大高于斯德哥尔摩音乐和圣彼得堡音乐，虽然后两者离芬兰更近。

受卡莱瓦拉影响的西贝柳斯

1835年出版的民族史诗《卡莱瓦拉》在19世纪90年代的芬兰艺术界引起了巨大轰动。《卡莱瓦拉》对芬兰民族自尊心的形成起到了重要作用，为芬兰本土文化的发展奠定了基础。但是，从音乐角度来说，《卡莱瓦拉》并没有广泛体现于民族原创和民间小调中。19世纪90年代早期，在西贝柳斯（1865—1957）创作《库勒沃》时，他希望能在自己的作品中体现芬兰特色。“我现在对芬兰特色的理解比以前更为透彻，不像之前那么实际。”他开始注重感觉而非写实。

1892年5月，《库勒沃》首演之后的一个月，西贝柳斯向赫尔辛基大学提出了卡莱利亚（Karelia）夏季旅行的申请。“在芬兰和俄罗斯的边界，寻访牧歌者，了解他们的曲调和表演。”西贝柳斯在获得申请批准的同时，还得到了一份牧歌者名单。

西贝柳斯作为民族人物的地位无可厚非。他的7部交响曲和小提琴协奏曲在国际上取得了成功，体现了芬兰文化的内涵和创造力。作曲家卡列维•阿霍（Kalevi Aho）曾写道：“在德国和法国，西贝柳斯经常被简单地认作是毫无影响力的民族浪漫派保守人物。事实上，作出这种评价的人并不熟悉他的作品。1910年左右，西贝柳斯的音乐就采用了一种接近于表现主义的现代手法。20世纪20年代，这种手法又转变为古典风格。在之后的几十年，即便是在芬兰，也没有人能说清西贝柳斯的创作特点。”

对于芬兰人来说，西贝柳斯的重要性在于他体现了民族精神，而不是因为他的国际知名度。

在广播出现之前，西贝柳斯的音乐主要以演出方式进行传播。20世纪20年代后期，公众的音乐口味深受奥斯卡•麦利康托（Oskar Merikanto，1868—1924）音乐的影响。奥斯卡•麦利康托是一个音乐杂家，会演奏钢琴和风琴，会指挥，会作曲，会写音乐评论。除演奏自己的作品外，他还演奏简单的国外作品。简言之，如果把西贝柳斯看成是上流社会作曲家的话，那么麦利康托就是一个致力于推广普通、富于人文气息艺术和音乐的作曲家。

从黄金时代到保守主义

19世纪80年代至20世纪20年代是芬兰文化的黄金时代。1911年是芬兰歌剧的转折点。当时，包括全球知名的巴黎歌剧院女演员安娜•阿克特（Aino Ackte）在内的一群文化名人创建了芬兰歌剧院。1912年，阿克特又在萨沃林纳（Savonlinna）小镇创建了歌剧节，在15世纪建造的奥拉维莉娜城堡（Olavinlinna Castle）内搭台表演。从1912年到1916年，歌剧节共举办了4次。20世纪30年代又尝试着举办过1次。直到20世纪60年代，萨沃林纳歌剧节才真正重新举办。安娜•阿克特凭借她的国际知名度，为上世纪70、80年代芬兰歌剧的繁荣奠定了基础。今天，萨沃林纳歌剧节是世界顶尖音乐盛会之一。

20世纪20年代，喜悦和挫折共存。1917年芬兰独立，年轻的国家希望增强自身特点和基础。马代托亚(Leevi Madetoja，1887—1947)创作的歌剧《奥斯特洛波斯尼亚人》（Pohjalaisia, 1924）获得了巨大成功。该剧体现了芬兰在沙皇俄国统治的最后几年间所承受的压迫。该剧强烈的民族情结影响到了后来的一些歌剧创作者。比《奥斯特洛波斯尼亚人》早一年、由阿雷•麦利康托（Aarre Merikanto，1873—1958）创作的欧洲现代主义歌剧《Juha》却没有引起公众注意。当时，歌剧界还不具备理解《Juha》的能力。直到41年后，《Juha》才获得首次公演。今天，该剧被公认为是芬兰歌剧史上最重要的作品。

今天，我们会惊讶于上世纪30年代芬兰作曲家的保守风格。虽然20年代的一些作曲家已经尝试使用现代主义手法，但他们的后辈，比如马代托亚(Leevi Madetoja)依然遵循保守主义风格。上世纪30年代，出现了两个比较有名的作曲家，一个是乌诺•科拉米（Uuno Klami，1900—1961），他经常被人指责为过于欧洲化。另一个是耶沃•吉尔普宁（Yrjo Kilpinen, 1892-1959），他因数以百计的独奏曲而享有盛誉。

两种流派

20世纪30年代出现了两种流派的作曲家，一种是民族浪漫主义派，另一种则倾向于欧式音乐。后者主要是瑞典语作曲家，他们在风格和手法上领先于民族浪漫主义派，这种优势一直保持到40年代。最有名的欧式音乐作曲家有：埃里克•伯格曼（Erik Bergman，1911--）和埃诺•恩格伦德（Einar Englund，1916—1999）。

30年代出现的新古典风格在40年代继续流行，出现了拉威尔（Ravel）、斯特拉文斯基（Stravinsky）、肖斯塔科维奇（Shostakovich），普罗科菲耶夫（Prokofiev），巴托克（Bartok）和辛德米特（Hindemith）等一批代表人物。此时，阿雷•麦利康托（Aarre Merikanto）和乌诺•科拉米（Uuno Klami）开始放慢创作步伐。与此同时，约纳斯•科科宁（Joonas Kokkonen，1921—1996）、埃诺永哈尼•劳塔瓦拉（Einojuhani Rautavaara，1928--）和Usko Meriläinen（1930--）开始了他们的早期创作。50年代出现了十二音技法，但很多作曲家依旧在作品中采用新古典主义风格。埃诺•恩格伦德（Einar Englund）追求纯正的新古典主义风格，于40年代后期首演的两部交响乐得到了很大的关注，至今仍是交响乐的保留曲目。

50年代，一些芬兰作曲家开始参加德国达姆施塔特的夏季课程。60年代初，史塔克豪森（Stockhausen），利盖蒂( Ligeti)，Nono，马代尔纳（Maderna），卢托斯拉夫斯基（Lutoslawski）和潘德雷茨基（Penderecki）等中欧一流先锋派作曲家开始前往芬兰访问。此时，很多芬兰作曲家也大胆摆脱了传统模式的束缚，作曲手法跟上了国际潮流。

人们常说，从上世纪30年代到60年代，西贝柳斯的杰出形象掩盖了其他芬兰作曲家的光芒。在交响乐领域的确如此。当与西贝柳斯相提并论时，很多作曲家都会深感挑战性。到了50年代，西贝柳斯虽然停止了创作，但依然身处音乐界。西贝柳斯是一个公认的文化偶像，但作为一个作曲家，由于太富有个性，没能形成一个流派。

瞄准国际标准

20世纪60年代，芬兰音乐达到了国际水平，芬兰逐渐成为一个独特的音乐国度。70年代，芬兰音乐成为了国家形象的象征。最近25年，芬兰音乐经历了一次特殊繁荣。芬兰至今仍拥有一大批出色的作曲家和指挥家。

80年代的音乐繁荣，歌剧繁荣最为明显。当时在世界其他地方，歌剧已经被认为是一种过时的艺术形式。芬兰歌剧创作者却创作出了原汁原味、富有竞争力的当代歌剧作品。另外，很多夏季音乐节挖掘地方特色，闻名世界。这个时期的芬兰创作者和表演艺术者享受国家的艺术补贴。

竖起耳朵！

如果没有一批富有音乐接受能力的观众，那么芬兰音乐也不可能出现繁荣。公众音乐意识的逐步提高很大程度上应归功于媒体。与其他北欧国家相比，芬兰的报纸和广播电视对音乐进行了更多的报道。以年轻创作者组成的竖起耳朵团体（Ears Open！）为例，从20世纪70年代后期开始，媒体就对该团体进行了出色报道。竖起耳朵团体推动和宣传当代音乐，举办音乐会和研讨会，成立研究小组。这个团体不只是创作者的集合，成员的创作风格和审美手法各不相同，非常多元化。他们希望创造一种适合于当代音乐的时代氛围。

从上世纪80年代开始，竖起耳朵团体中的领军人物逐渐离开乐团。1983年，他们成立了奥凡体（Avanti！）室内乐团，举办音乐会和音乐节。他们将音乐会的经典保留曲目与当代音乐相结合，以创新手法加以表现。年轻一代的创作者、指挥家和音乐家拓宽了芬兰音乐的眼界，奠定了坚实的专业基础。

竖起耳朵团体的6位主要成员分别是：Eero Hameenniemi（1951--）、Kaija Saariaho（1952--）、Olli Kortekangas（1955--）、Jouni Kaipainen（1956--）、Magnus Lindberg（1958--）和Esa-Pekka Salonen（1958--）。其中，埃萨-佩卡•萨洛宁（Esa-Pekka Salonen）虽然作品有限，但从1983年开始，他以指挥家身份享誉全球。最近，他又开始创作，电子乐作品反映了他从1992年开始担任洛杉矶爱乐乐团首席指挥的经历。

70年代，现代主义风格的代表人物有萨利亚霍（Kaija Saariaho）和马格纳斯•林伯格（Magnus Lindberg）。萨利亚霍于80年代开始定居巴黎，在声学/音乐研究和协作学院（IRCAM）工作，将电脑和电子技术广泛运用于音乐作品中。作品以开发新的声音世界为特点。主要作品是歌剧《遥远的爱》（L’amour de loin，2000年），曾在萨尔兹堡音乐节和巴黎夏特莱剧院演出。与萨利亚霍相比，马格纳斯•林伯格更加贴近欧洲现代主义主流风格。主要作品都是大型交响乐幻想曲。萨利亚霍和林伯格是同时代作曲家中的佼佼者，作品都曾在全世界演出。

竖起耳朵团体中“父亲式人物”Eero Hameenniemi深受印度音乐的影响，如今他在即兴音乐方面又有上乘表现。科特坎加斯（Olli Kortekangas）的主要作品是歌剧。该团体中的所有成员几乎都曾师从帕沃•海宁（Paavo Heininen，1938--）。团体中比较有名的年轻创作者有：Veli-Matti Puumala（1965--）和 Uljas Pulkkis（1975--）。

竖起耳朵团体从上世纪70年代后期、80年代早期开始开拓性创作。当时在芬兰和全世界，音乐的繁荣也蔓延到了歌剧领域。芬兰是个小国，芬兰歌剧只有100年历史，却在世界歌剧版图中占据了一席之地。1974年至1984年，在Juhani Raiskinen（1937--）的领导下，芬兰国家歌剧院着重于歌剧创作。70年代后期，芬兰观众开始发现并喜欢上了歌剧，最受欢迎的是那些根据芬兰历史创作的新歌剧。约纳斯•科科宁（Joonas Kokkonen，1921—1996）创作的《最后诱惑》和奥利斯•萨利农（Aulis Sallinen，1935--）创作的《红线》感动了无数观众。

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